Dorothea Tanning era una Artista Polifacética que nació en 1910 en Galesburg, Illinois, vivió 101 años, en los que nos regaló una extensísima y fantástica obra, muriendo en su casa de Nueva York el 31 de enero de 2012.

Sus escasos estudios oficiales de arte los realizó en Chicago (recorriendo el Instituto de Arte donde aprendió lo que era la pintura), de donde salió algo desilusionada. Poco después conoció a Julien Levy, en 1941 en Nueva York, conocido marchante de arte con muchos amigos surrealistas refugiados de la Francia ocupada por los nazis.

Ya iniciada en la corriente Surrealista, mientras trabajaba en el autorretrato más tarde conocido como “Cumpleaños”, conoció a Max Ernst, quien visitó su estudio en 1942, ella misma nos cuenta su experiencia, recogida para que puedas leerla un poco más abajo.

Además de Pintora, Dorothea Tanning era Poetisa, Escultora, Fotógrafa y Cinematógrafa, la exploración de la mente y los enigmas de la vida la llevaron a producir una extensa obra que no podía quedar contenida en solo un medio de expresión. Tales dimensiones tiene su obra que en este artículo nos centraremos únicamente en la primera parte de su obra pictórica, la que podríamos considerar más afin al carácter del arte surrealista.

En la pintura surrealista de Dorothea Tanning destacan sus mundos de ensoñación, bien alegorías fantásticas propias de estados de alta vibración de consciencia, bien pesadillas y escenarios propios de los temores y pulsiones que habitan más allá de los rincones de nuestra mente consciente.

Es una pintora muy habilidosa que domina el realismo y lo utiliza para plasmar de detalle los diversos elementos de la escena pictórica, en la que introduce, en muchos casos como elemento principal o disruptivo, simbología y metáforas, utilizando recursos como el simbolismo de la puerta como elemento separador entre lo público y lo privado, el mundo externo del universo interno.

Con frecuencia, es su propia imagen o la figura de las niñas las protagonistas de la acción, como sujetos activos o pasivos de los acontecimientos que suceden a su alrededor. Estas niñas y mujeres suelen encontrarse en momentos anormales, como extasiadas, desnudas, con una expresión de rabia en el rostro o siendo absorbidas desde el cabello por un agujero orgánico mounstruoso que brota de la pared.

El excelente dominio del color y las formas que poseía Dorothea Tanning le permitieron crear obras que exploran los límites de la mente y el mundo consciente, las convenciones sociales y los enigmas de la vida, mientras juega con la mente del espectador, sus sentimientos y emociones.

“Cuando tenía 7 años dibujé a una mujer con hojas por pelo. ¿Era yo una pequeña surrealista?”

–extraido de Between Lives: An Artist and Her World. New York: W.W. Norton & Company, 2001, p. 16.

“…Leí en alguna parte que lo que creía que eran testimonios poéticos y sublimes de mi convicción de que la vida es una confrontación desesperada con fuerzas desconocidas son, en realidad, lindos sueños de niña, llenos de símbolos sexuales …”

– extraido de “Questions pour Dorothea Tanning entretien avec Alain Jouffroy, Mars 1974,” en Dorothea Tanning: Oeuvre, retrospective exhibition catalogue, Paris: Centre National D’Art Contemporain, 1974, p. 48.

” Al principio solo había esa imagen, un autorretrato. Era un lienzo modesto para los estándares actuales. Pero llenó mi estudio de Nueva York, la trastienda del apartamento, como si siempre hubiera estado allí. En parte fue la habitación; Un día me había sorprendido un fascinante conjunto de puertas —salón, cocina, baño, estudio— apiñadas unas a otras, solicitando mi atención con sus planos antiguos, luces, sombras, inminentes aperturas y contraventanas. A partir de ahí, fue un salto fácil a un sueño de innumerables puertas. Quizás en cierto modo era un talismán para las cosas que estaban sucediendo, una iteración de un evento silencioso, densidades de línea forjadas en un pisapapeles de cristal del tiempo donde no se esperaba que apareciera nada excepto el lienzo terminado y, más tarde, algunos copos de nieve, estabamos en la Navidad de 1942, y

Max era mi regalo de Navidad.

Estaba nevando mucho cuando tocó el timbre. Estaba seleccionando cuadros para un desfile que se llamaría “Treinta Mujeres” (luego Treinta y Una Mujeres), era un voluntarioso emisario en los estudios de un abanico de bonitas y jóvenes pintoras que, además de bonitas, cosa que no podían evitar, también estaban muy comprometidas con ser artistas.

“Por favor, entre”, sonreí, tratando de decirlo como si se lo dijera a cualquiera. Vaciló, golpeando con los pies el felpudo. “Oh, no te preocupes por la humedad”, agregué. “Aquí no hay alfombras”. Tampoco había muchos muebles, ni nada que justificara las seis habitaciones, de adelante hacia atrás. Nos trasladamos al estudio, un lugar más animado en todo caso, y allí, en un caballete, estaba el retrato, no terminado del todo. Él miró mientras yo intentaba no hacerlo. Y al fin: “¿Cómo lo llamas?” preguntó. “Realmente no tengo un título”. “Entonces puedes llamarlo cumpleaños”. Y así pasó.”

– extraido de Birthday, Santa Monica: The Lapis Press, 1986, p. 14, and Between Lives: An Artist and Her World. New York: W.W. Norton & Company, 2001, pp. 62-63.

“Se trata de confrontación. Todo el mundo cree que una misma es su drama. Si bien no siempre tienen girasoles gigantes (las flores más agresivas) con los que lidiar, siempre hay escaleras, pasillos, incluso teatros muy privados donde se juegan las asfixias y las finalidades, la alfombra rojo sangre o amarillos crueles, el atacante, la víctima encantada …”

—De una carta inédita de la artista a la Tate Collection, 1999, citada en el ensayo de Victoria Carruthers “Dorothea Tanning and Her Gothic Imagination”, Journal of Surrealism and the Americas 5, no. 1 (2011), pág. 146.

“Por la noche uno imagina todo tipo de sucesos en las sombras de la oscuridad. Una habitación de hotel es íntima y desconocida, casi alienación, y esto puede evocar una sensación de amenaza y fuerzas desconocidas en juego. Pero estas fuerzas desconocidas son una proyección de nuestra propia imaginación: nuestras propias pesadillas privadas.”

—De una entrevista inédita con Victoria Carruthers, 2005, citada en su ensayo “Between Silence and Sound: John Cage, Karlheinz Stockhausen and the Sculptures of Dorothea Tanning”, Art, History and the Senses: 1830 to the Present, Surrey: Ashgate Publishing , 2010, pág. 112.

Para mirarla de cerca…

“En ese lugar nítido donde la agitación planetaria había levantado su firma: los ahora plácidos monumentos que, por lo que a todos les podía importar, habían estado allí desde siempre, me comprometería (“atrevería” sería una palabra más correcta) a pintar lo que no se puede pintar… . Un año fue suficiente para grabarlo en la lente de la memoria (no se hizo en el lugar como generalmente hacían los artistas: plantar sus temblorosos caballetes en arena o pizarra, viento y sol, mojar pinceles en gotas de pintura y esperanza) para después en el estudio, solo con mi sueño, lo grabaría como una entrada de diario, así como así.”

–De Dorothea Tanning: cumpleaños y más allá. Folleto de exposición. Filadelfia: Museo de Arte de Filadelfia, 2000.

Hagenberg: “Te gusta ver tus pinturas como trampas mágicas sin salidas para el espectador. ¿Qué te pone de un humor mágico?”

Tanning: “Basta con entrar al estudio rodeado de cosas que no tienen nada que ver con el mundo exterior. Aquí tu eres un capullo. Los estados de ánimo cambian constantemente en tu vida. En los cuarenta tenía una especie de humor gótico. El estado de anhelo de un desplazamiento, de otro tiempo, de otro lugar. Había leído novelas góticas en ese momento. Estaban impregnadas de esta bruma de atmósferas misteriosas e impredecibles de lugares que yo no conocía …”

Hagenberg: “El ambiente gótico te ayudó a romper las barreras que te presentaban el paisaje y el arte abstracto. Dijiste que necesitas la figura humana en tu pintura, de lo contrario no podrías expresarte.”

Tanning: “Todo lo que hice tenía al menos una sugerencia de un elemento humano en él.”

—De la entrevista con Roland Hagenberg, “Dorothea Tanning”, Art of Russia and the West, No. 1 (marzo de 1989), p. 31.

Hagenberg: “¿Cuál es la obsesión de los artistas de su generación por el ajedrez?”

Tanning: “Es más que un juego. Es una forma de pensar. Tienes que ser inteligente de una manera guerrera. Eres un buen jugador de ajedrez si tienes furia contenida, mal perder. Creo que las personas malas son buenas jugadoras de ajedrez.”

Hagenberg: “¿Es así como averigua cosas sobre otras personas?”

Tanning: “No, es solo que las personas que son demasiado dulces no pueden aprender a jugar al ajedrez.”

—De la entrevista con Roland Hagenberg, “Dorothea Tanning”, Art of Russia and the West, No. 1 (marzo de 1989), p. 31.

“Me parece que un hombre como nuestro San Antonio, con su autoinfligida mortificación de la carne, sería tentado de manera aplastante por los deseos sexuales y, más particularmente, la visión de la mujer en todos sus aspectos voluptuosos.

Es esta fase la que he intentado plasmar en mi pintura. San Antonio, solo en el desierto, lucha contra sus visiones; a medio formar, moviéndose en indolente sugestión, coloreado con los hermosos colores del sexo, sus deseos toman forma incluso en los pliegues de sus propias túnicas sacudidas por el viento.”

-“Declaración.” Concurso Internacional de Arte Bel Ami y Exposición de Pinturas de Once Artistas Americanos y Europeos. Folleto de exposición. Washington, D.C .: Federación Estadounidense de las Artes, Edificio Barr, 1946, pág. 28.

Esta pintura fue creada para el Concurso Internacional de Arte Bel Ami, en el que se presentaron pinturas de La tentación de San Antonio para un premio en efectivo y su inclusión en “Bel Ami”, una película de Loew-Lewin de 1947 basada en la novela The Private de Guy de Maupassant. Asuntos de Bel Ami. Participaron once artistas estadounidenses y europeos, entre ellos Ivan Albright, Eugene Berman, Leonora Carrington, Salvador Dalí, Paul Delvaux, Max Ernst, O. Louis Gugliemi, Abraham Rattner, Horace Pippin, Sydney Spencer y Dorothea Tanning. La competencia fue jurada por Marcel Duchamp, Alfred H. Barr, Jr. y Sidney Janis, y ganó Max Ernst.

El peligro de los ángeles y los genios

“Esta nevando. Salimos con nuestros trineos que enganchamos a las compuertas traseras de los carros pesados. Todos usamos botas acolchadas, pero hay una niña, y esa soy yo, cuyos pies son como dos trozos de hielo en sus botas. Escena: el césped cubierto de nieve frente a nuestra casa. Tumbada de espaldas en la nieve, levanto los brazos y los deslizo hacia abajo en el frío polvo blanco. Cuando me levanto queda mi huella: un ángel.”

Noche.

Toda la familia está sentada debajo de la lámpara, alrededor de la mesa de la biblioteca. Estoy dibujando un ángel, todo desnudo excepto por las alas emplumadas, una dama ángel de pechos redondos y una dulce sonrisa. A mi madre no le gusta mi dibujo. Al levantar los ojos, veo que todos me miran como si fuera una extraña, toda la familia. Es bueno que guarde mis otros dibujos arriba, escondidos en mi cajón de juguetes. No se inspiran en el cuadro (el único que hay) colgado en la pared de nuestro comedor, una cromo-litografía de un Boecklin. Se llama Heiliger Hain y muestra una procesión de figuras veladas que se deslizan hacia un altar en el bosque. Detesto esta imagen tanto como puedo detestar cualquier cosa. Es profundamente aborrecible para mí y me hace pensar en los domingos por la mañana en nuestra iglesia y los sermones que tratan del infierno y la condenación; allí, donde me veo obligada a sentarme en silencio durante una hora cada semana, escuchando las amenazas detalladas de la venganza divina que Dios ha reservado para nosotros los humanos.

Entonces, ya sea que la mirada esté en el paisaje plano salpicado de casas cuadradas y ordenadas, cada una encerrada en su isla rectangular de hierba, o en el comedor con los sudarios melancólicos de Heiliger Hain, ambas vistas son insoportables y por eso miro dentro de mí. ¡Y he aquí! hay montañas de una milla de altura con cascadas como el cabello de Rapunzel. Hay un bosque tan lleno de ojos amarillos que desprende un brillo de azufre. Y en la grisalla de nuestra nostalgia vierte los maravillosos colores de la imaginación. Una forma de iluminar el laberinto, de llevar una vida tan extravagante como la de un príncipe bávaro que, por supuesto, también es poeta.”

–De “Dorothea Her Lights and Shadows (A Scenario)”. Traducido de XXe Siècle, París, septiembre de 1976. Reimpreso en Dorothea Tanning: 10 pinturas recientes y una biografía. Catálogo de exposiciones. Nueva York: Gimpel-Weitzenhoffer Gallery, 1979, págs. 26-27.

“Terciopelo en el espacio

ráfagas de lluvia decorativas

y un tiempo dado

El verano de generaciones anteriores

cerca de Jerusalén o Filadelfia

irresponsable

un vaso de amargura

dos burlas de majestad casi terrible

nuestra grandeza nuestra maldición nuestro peso

Vestido de blanco y glorificado con lágrimas pútridas

por palabras infantiles y por licor

creencia popular

creencia popular como tú y yo

por autoridad satisfecho

y triste fertilidad

… o nos vamos a dejar en silencio

Casualmente la puerta …“

–Max Ernst, 1946

“La palabra representativo se ha convertido para algunos en un estigma, pero ¿algún artista verdadero escapa a esta categoría? Algunos pintores representan sus sentimientos sobre la luz, la oscuridad, los fenómenos científicos, los fenómenos naturales, alquimias de todo tipo, alquimias de formas, colores, incluso de pintura. De hecho, muchos artistas de hoy simplemente están enamorados de la pintura, tienen sentimientos, incluso emociones, y desean explorarla por sí misma. Esta bien. Pero siguen representando, sin importar la forma que adopte, sus ideas o ficciones sobre el tema. Creo que hay mucho que decir a favor de este tipo de representación. Representar los sentimientos de uno sobre la forma y el color es una expresión noble y, a menudo, gratificante (y recompensada). Pero solo un pensador muy limitado podría creer que es la única expresión actual posible. ¿Qué hay del enigma humano, la magia de la alucinación, los poderes del ojo, la desconcertante conciencia del hombre, las relaciones entre los seres humanos, los animales y todos los seres vivos, incluidas las piedras? ¿Qué hay del amor? … amor a las cosas podridas, amor al artificio, amor perverso? ¿Qué hay de la violencia, los acontecimientos trascendentales, la locura repentina y las visiones?

Cuando pinto trato de representar mis sentimientos sobre algunas de estas cosas. La eternidad deja muy poco tiempo para completar la exploración.

La representación está separada de la descripción.“

—De una entrevista inédita, c. 1947

“… ¿Alguna vez has soñado que puedes volar? A menudo he tenido ese sueño…“

—De “Rêvez-le ou ne le lisez pas,” Translated by Jeannine Lambert, Les Quatre Vents, no. 8 (1947), p.86.

“Lo que más recuerdo de esta imagen es el soporte. Era un pedazo de lino maravilloso que estiré y preparé yo misma. Fue la primera y única vez que hice algo así. Y luego, por supuesto, cuando estuvo hecho, sentí que tenía que hacer una rara imagen preciosa en él, y creo que las palabras que usé fueron la clave para la cualidad enigmática que quería.”

–De notas inéditas, 1989

“Continuar con las imágenes meticulosas habría sido una especie de congelación. Tenía que haber otras formas, más movilidad, como experimentar el tiempo, y comencé a mover cosas, estirar un área, condensar otra, más un esfuerzo de sugestión que de afirmación.”

–De la entrevista con Cate McQuaid, “Dorothea Tanning Paints Again, and Speaks for Herself”, The Boston Sunday Globe, 4 de abril de 1999, p. N6.

“Alain Jouffroy: Las figuras que podrían reconocerse en sus primeros trabajos, literalmente, ya no son identificables. ¿Está lidiando conscientemente con lo que podría llamarse la explosión de identidad en las personas? ¿Cómo lo experimentas?

D.T: Llevo mucho tiempo tratando de lidiar con las figuras que emergen en el lienzo. Se necesita tiempo para conocerlos. En los primeros años pintaba nuestro lado del espejo —el espejo para mí es una puerta—, pero creo que me he ido, me he ido a un lugar donde una ya no se enfrenta a identidades en absoluto. Uno los mira algo oblicuamente, con picardía. Capturar el momento, aceptarlo con todas sus complejas identidades.”

–De “Entrevista con Dorothea Tanning” en Dorothea Tanning, catálogo de la exposición retrospectiva, Malmö, Suecia: Malmö Konsthall, 1993, p. 57. Esta entrevista se publicó originalmente como “Preguntas para Dorothea Tanning entretien avec Alain Jouffroy, Mars 1974”, en Dorothea Tanning: Oeuvre, catálogo de la exposición retrospectiva, París: Centre National D’Art Contemporain, 1974.

“En Sedona, donde la única electricidad estaba en un rayo tan atronador, no había ningún sonido en la tarde salvo el zumbido del calor. Era tan intenso, tan acechante, tan envejecido, que los intrusos nos sentimos mudos también, intensos y extrañamente como de puntillas, como en peligro. Rebotó como resortes en espiral en las rocas rojas en llamas y derritió el alquitrán en nuestro techo de papel. Entró para sentarse en mis ojos. Respirar era importante, un acontecimiento …

Entonces, como ahora, los decibelios de la naturaleza pueden aplastar el cerebro de un artista. Lo he visto suceder. Así que cierro la puerta y pinto los interiores. Grandes eventos. Una imagen blanca y oscura amortiguaría el mundo rojo exterior. Grandes habitaciones desnudas con figuras blancas heladas, como Sodoma y Gomorra. Hay luz opalescente y oscuridad aterciopelada. ¿No es ese el mayor placer del artista, controlar la luz? ¿Competir con el sol y la luna, poner patas arriba su lógica con pinceles y pintura y un ego monstruoso? Estoy aquí. Arthur Rimbaud, poeta loco, también está aquí, en la pizarra de mi lienzo. Lo que ves son notas de su cuaderno secreto. Señales privadas y descaradas. La puerta no es una puerta al jardín rojo salvaje, solo a algo personal, como la puerta de una casa que mira hacia adentro.”

–De Entre vidas: una artista y su mundo. Nueva York: W.W. Norton & Company, 2001, págs. 145, 152-3.

“La censura vigilante de lo erótico, uno de los pasatiempos favoritos de la nación, a veces nos beneficiaba mucho. Al visitar las reservas del sótano de cierto museo con un curador que resultó ser un amigo, Max había admirado un espléndido mástil esquimal apoyado en un rincón. Era una gigantesca figura de fertilidad tallada en un árbol y adornada con una grieta apropiada donde se necesita para probar sus posibilidades maternas. “¿Cómo es que una pieza tan impresionante no se exhibe en las galerías?” Max le preguntó a su amigo. “Oh, no podemos mostrar eso aquí – hay clases enteras de colegialas que visitan el museo casi a diario … es una lástima …” Esto fue algo especialmente difícil de entender para Max en vista del hecho de que las chicas, es de esperar al menos, todas tenían sus propias grietas. Felizmente para nosotros, después de algunas negociaciones adquirimos el mástil en todo su esplendor maternal. (A partir de entonces, se trasladó con nosotros a través de continentes y mares como la viajera más sofisticada). Cinco años después visitamos juntos el mismo museo. Un número importante de pinturas del Louvre se habían mantenido a salvo de la guerra, volvemos a encontrarnos con el curador y visitamos las reservas a continuación. Aquí, increíblemente, está el gran Bain Turque de Ingres, escondido de las niñas pequeñas o, tal vez, de las viejas, en cualquier caso, no visto en los antisépticos Estados Unidos. Esta visita tuvo lugar en 1948 y estábamos conduciendo de regreso a Sedona. Antes de dejar el museo y sus obras maestras compré el catálogo completo de obras de la colección. Me pareció algo así como invitar a un buen amigo a que viniera a compartir nuestra vida.

Esa vida resultó ser tan absorbente que el gran libro se quedó en su estante hasta que un día lo necesité con urgencia. Para explicarme: La pintura en la que estaba trabajando (se convirtió en La habitación del Huesped), involucraba un desnudo y necesitaba una modelo. Al final de la calle vivía Patsy, de diez años. Patsy lo haría, y a su madre no podría importarle menos. Pero Patsy no quiso desnudarse. De hecho, yo estaba preparada para las bragas, pero no un sostén (que no escondía nada). De repente le estaba contando a Patsy sobre el arte, sobre el gran museo en el mismo pueblo donde vive el presidente de los Estados Unidos, donde se entiende bien (por algunos visitantes del museo) que el objeto más bello de la naturaleza es el cuerpo humano. “Te lo mostraré”, grité, apresurándome a abrir el libro, hojeando las páginas, cada vez más rápido, era extraño, los había visto allí, los bañistas de Gauguin, los Poussin, las alegorías italianas … no aparecían en el libro, por lo que era seguro para las alumnas.

Todo esto sucedió en las épocas oscuras (artísticas) de hace medio siglo. Seguramente no podría suceder hoy, seguramente no, ¡excepto tal vez en Texas!”

—De notas inéditas, c. 2000

“La temporalidad de la vida es lo que tenemos que olvidar. Es el único error de la creación, que tenemos que morir. No sé por qué no se hizo un poco mejor. Pero no se hizo. Así que lo mejor es no darle crédito. No la aceptes. No la aceptes. Si adaptas todas tus acciones y palabras a esa no aceptación, será como si no existiera.”

– de Ann Gibson, “Dorothea Tanning: The Impassioned Double Entender”, Arts Magazine 58, no. 1 (septiembre de 1983), pág. 103.

Recordemos que esta Artista vivió 101 años, puede que gracias a esta filosofía.

Alexander Watt: …. Estaba intrigado por la delicadeza de sus composiciones. y la sutileza de sus armonías de color, así como el extraño cuasi-surrealista, imágenes de otro mundo que ella presenta. Le pregunté si me explicaría, en sus propias palabras, cómo llegó a ser artista por primera vez y qué se proponía lograr. Esto es lo que me escribió:

“Nací y crecí en un pequeño pueblo de Illinois, Estados Unidos. No había nada allí, ni montañas, ni ríos, ni castillos, ni barrios marginales. En esta atmósfera, aprendí temprano a usar mi imaginación y dibujé y pinté un mundo propio. Cuando cumplí los diez años, supe que sería artista y viviría en París, Francia. A los veinte años asistí a escuelas de arte en Chicago, lo que me decepcionó. Sin duda, había esperado algo imposible. Un día, un marchante de arte vio dos de mis cuadros y dijo: “A partir de ahora estás en mi galería”. Entonces, ya ves, me lanzaron. Eran cuadros metafísicos curiosos que hice entonces. Los fantásticos sueños de mi infancia en la gran llanura del medio oeste se habían convertido en algo sutil pero urgente y necesario para mí. Vi aparecer imágenes en el lienzo, imágenes que nunca había visto. Desde entonces mi actitud ha sufrido algunos cambios. Ahora deseo interrogar las imágenes desconocidas, impulsarlas, hacerlas más reales que la realidad. Eso es … hacer el mundo imaginado, que comenzó a mostrarse hace tanto tiempo, el mundo real, un mundo que puedo enriquecer, que puedo transformar …”

—De Alexander Watt, “Paris Commentary” (reseña de la exposición), Studio 158, no. 798 (octubre de 1959), pág. 92.

Mientras que la traducción de “Les Trois Graces” es “Las Tres Gracias”, la traducción de “Les Trois Garces” es “Las Tres Putas”. La importancia de una letra y su lugar.

“… Siempre me ha atraído lo fantástico. Verás, nací en Galesburg, una aldea de Illinois, lo cual no es nada emocionante en sí mismo, pero mi padre, de origen sueco, un hombre muy autoritario …”

Marcel Duhamel: “Esto es particularmente evidente en Retrato de familia, donde todos los personajes están representados en proporción a la importancia que tenían entonces a tus ojos. ¿Parece que saldaron cuentas?”

D.T: “Realmente no … Es más un comentario general sobre la jerarquía dentro de la familia sacrosanta. Mi padre, a pesar de todo, nos trajo un soplo de exotismo. Contaba historias de nieves lejanas, el chico que huía patinando sobre el hielo, rápido, rápido … el lobo pisándole los talones … Sentí el aliento ronco del lobo en mi cuello … era delicioso.”

—de la entrevista con Marcel Duhamel, Dorothea Tanning: Numéro Spécial de XXe Siècle. Paris: Editions XXe Siècle, 1977, p. 110.

“Alrededor de 1955, mis lienzos literalmente se astillaron. Sus colores salieron del armario, podría decirse, para abrir los rectángulos a una luz diferente. Eran superficies prismáticas donde velaban, sugerían y flotaban mis persistentes iconos y preocupaciones, en otra de las mil formas de decir las mismas cosas.”

–De Entre vidas: una artista y su mundo. Nueva York: W.W. Norton & Company, 2001, pág. 178.

“Esta fue la segunda de una serie de obras prismáticas que realicé en los años cincuenta con la misma preocupación por el enigma que siempre había perseguido. La revelación fue algo para la participación del espectador. Quería hacer una imagen que no se vea entera de una vez. Sentí que todas mis pinturas de este período se deberían descubrir lentamente y que casi serían kaleidoscopios que brillarían y que descubrirían algo nuevo cada vez que las miraran.”

—De notas inéditas, 1989

“Empezando aproximadamente en 1955, después de un período de pintar imágenes directas y simples como declaración (Tableau Vivant; The Blue Waltz; Death and the Maiden …), mis composiciones pintadas comenzaron a cambiar y fusionarse en una complejidad de planos cada vez más intensa. El color era ahora una primera prerrogativa: un lienzo blanco pegado a la pared en Sedona sería azul y violeta y un cierto rojo óxido seco. Tendría que ser vertical. Tampoco estaría del todo allí, de inmediato. Quería llevar la mirada a espacios que se escondían, revelaban, transformaban todo a la vez y donde habría alguna imagen nunca antes vista, como si hubiera aparecido sin mi ayuda. Estaba muy emocionada y lo llamé Insomnias.”

—De Between Lives: An Artist and Her World. Nueva York: W.W. Norton & Company, 2001, págs. 213-214.

Esta es la primera parte de la Obra de Dorothea Tanning, en concreto de su etapa como Pintora Surrealista. Como hemos visto al principio del artículo, era una artista polifacética y tiene muchisima obra, tanto de pintura como de otras artes, que no caben en un solo video o artículo.

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¡Muchas Gracias y nos vemos en el siguiente!

Bibliografía e imágenes https://www.dorotheatanning.org/

Agradecimiento especial a Antonio García Villarán por, sin saberlo, descubrirnos a esta artista.